色彩交织 ，形状交叠 ，线条交错，点缀流转——在德国波茨坦巴贝里尼美术馆（Museum Barberini）新展“康定斯基的宇宙——20世纪的几何抽象” ，20世纪的抽象风格、潮流 、执念与乌托邦飞旋于眼前 ，仿佛带来一场令人陶醉的感官融合 。
展览汇集70位艺术家的125件作品（以12件康定斯基作品串联），展现了几何抽象艺术在20世纪欧洲和美洲的发展 。这不仅是一次视觉的探索 ，更是一次对现代主义极致追求的回顾。自康定斯基以来 ，西方的艺术家们逐渐从描绘可见世界转向了探索色彩 、线条与形状的互动，将其视为一种超越国界的视觉语言 。
展览现场 ，中为康定斯基作品 。
“色彩是琴键 ，眼睛是琴槌，灵魂是一架有众多琴弦的钢琴。 ” 这样的语言出自瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky，1866—1944年） ，使这位先锋派画家成为“联觉艺术家 ”——一种曾被视为“精神错乱”的特质 。他的感官相互交融：他“听见 ”色彩的声音 ，“嗅到 ”音符的气味，甚至“品尝”声音的味道 。
参观者在康定斯基作品前。
20世纪初 ，绘画经历了一场深刻的变革 。艺术家们不再满足于对可见世界的再现 ，而是追求一种新的、普适的视觉语言，专注于色彩 、线条和形状的相互作用 。这一现代的艺术潮流在欧洲和美国兴起 ，并以“几何抽象 ”的形式不断突破绘画的边界 ，包括至上主义（Suprematismus） 、构成主义（Konstruktivismus）、包豪斯（Bauhaus） 、英国战后抽象（britische Nachkriegsabstraktion） 、硬边绘画（Hard Edge）以及欧普艺术（Optical Art）。
从1918年至1970年代，展览以八个章节的跨国视角、呈现几何抽象艺术 ，突出了各流派之间的关联。无疑 ，展览核心线索是康定斯基的12件代表作品，由此引发出展览其他110余件绘画 、雕塑和装置艺术作品 ，其中包括约瑟夫·阿尔伯斯（Josef Albers） 、索尼娅·德劳内（Sonia Delaunay）、芭芭拉·赫普沃斯（Barbara Hepworth）、埃尔·利西茨基（El Lissitzky） 、艾格妮丝·马丁（Agnes Martin） 、皮特·蒙德里安（Piet Mondrian）、布里奇特·赖利（Bridget Riley） 、弗兰克·斯特拉（Frank Stella）以及维克多·瓦萨雷利（Victor Vasarely）等 ，展现几何抽象如何不断挑战观众的视觉体验与想象空间 。
展览现场
康定斯基是现代艺术发展的重要里程碑，他的作品架起了一座连接先锋派与苏维埃俄国的桥梁 。展览策展人斯特雷·巴伦森（Sterre Barentsen）表示：“从康定斯基的艺术发展轨迹出发来策划展览，是一次极具启发性的过程。展览标题‘康定斯基的宇宙’恰如其分地表达了策展理念：它不仅指向康定斯基广泛的艺术影响力 ，还反映了20世纪上半叶的剧烈变革如何塑造了他的艺术生涯 。他的理念不仅影响了俄罗斯至上主义 、德国包豪斯以及法国‘抽象—创造’（Abstraction-Création）团体 ，还在他去世后由欧洲流亡艺术家传入美国，并催生了硬边绘画和欧普艺术等新潮流 。 ”
在艺术史学界 ，关于康定斯基的联觉能力一直存有争议 ，有人认为确有其事，也有人认为这只是概念化的表达。但无论如何 ，他在1911年提出的理论 ，即“形式可以独立于色彩存在”，在当时是革命性的 。这意味着 ，形式本身能够影响色彩 。他的艺术探索始终围绕着空间的表现力。他和同时代的艺术家们受到科学与技术的启发 ，致力于通过艺术表达新的空间与时间观念 。在这一点上，康定斯基无疑是一位先驱 。
康定斯基 ，《上方与左侧》 ，1925
康定斯基生于莫斯科，原本接受法律训练，但1896年赴慕尼黑学习艺术。1908年起 ，他开始创作具有表现主义特征的作品 ，并于1911年联合创立“蓝骑士 ”艺术团体，逐步摆脱对可见现实的直接再现 。同年 ，他出版理论著作《艺术中的精神》 ，提出色彩与几何形状具有内在精神力量的概念，这一思想深远地影响了现代艺术的发展 。
第一次世界大战爆发后 ，康定斯基返回莫斯科 ，此时俄罗斯的至上主义和构成主义艺术运动正蓬勃发展，马列维奇（Kazimir Malevich）、波波娃（Ljubow Popowa） 、克柳恩（Iwan Kljun）和利西茨基（El Lissitzky）等艺术家将艺术与技术 、理性与精神结合 ，构建了一种面向未来的乌托邦视觉语言。然而 ，随着1917年革命后艺术向工业生产转向，康定斯基因坚持艺术的“内在必然性 ”理论而被边缘化。
拉斯洛·莫霍利-纳吉 ，《构图 Z VIII》 ，1924
1922年，康定斯基受邀加入德国包豪斯，其创作受到莫斯科前卫艺术的影响 ，逐渐发展出简练的几何语言 。他的理论著作《点、线 、面》（1926）成为几何抽象艺术的重要基石 。与约瑟夫·阿尔伯斯（Josef Albers） 、莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy）等包豪斯艺术家的交流 ，使他的作品更加理性化，并为日后具体艺术（Concrete Art）的发展奠定基础。
展览现场
1933年 ，纳粹关闭包豪斯 ，康定斯基迁居法国，加入“抽象—创造团体” ，与蒙德里安（Piet Mondrian）、阿尔普（Sophie Taeuber-Arp）等艺术家共同推动非具象艺术的发展 。他的晚期作品虽带有梦幻色彩 ，但仍保持几何抽象的语言，并受到科学文献的启发 。即便面对全球政治动荡 ，他仍坚信艺术是精神探索的重要领域。1944年 ，他在巴黎附近的讷伊（Neuilly-sur-Seine）去世 。
索菲·塔伊伯-阿尔普：《十二个空间与平面 、角带及圆的布局》，1939
展览现场
展览结合康定斯基的生平 ，揭示了这位艺术家的思想轨迹 。他无视立体主义的影响 ，坚持在艺术中寻找“精神性”。他甚至为色彩赋予情感特质，如将蓝色视为“柔和的 、芳香的 ”，红色为“鲜活而温暖的 ” ，黄色则“尖锐而刺眼” 。他认为点是“空白画布上的点睛元素 ” ，水平线是“冷静的、支撑性的、沉默的 、黑色的 ”，而垂直线则是“活跃的 、温暖的、白色的” 。他还将几何形状与特定颜色关联 ，如蓝色对应圆形 ，红色对应方形，黄色对应富有攻击性的三角形。
随着抽象程度的不断提高 ，康定斯基近乎偏执地建立了一种“无对象性 ”的语法 。他像在音乐创作中那样 ，将自己的作品分为三类：“即兴 ”“印象”和“构图 ”（Kompositionen） 。他甚至提出，蓝骑士时期的表现主义是“温暖的抽象 ” ，而几何图像则是“冷抽象”。这场展览不仅是对几何抽象艺术的回顾 ，也邀请观众进行一次感官实验，探索自身的视觉与心理感知。
展览现场
第二次世界大战后 ，几何抽象艺术发生重大转折 。 随着纳粹占领巴黎 ，大批欧洲艺术家 、画廊主和评论家流亡美国 。在此之前，伦敦已成为几何抽象的重要中心，巴巴拉·赫普沃斯（Barbara Hepworth）和本·尼科尔森（Ben Nicholson）等英国艺术家推动了这一潮流。战后 ，英国的“建构主义者 ”（Constructionists）发展出结合新型工业材料（如塑料 、丙烯、玻璃纤维）的几何艺术 。
Miriam Schapiro：《拼图》 ，1969
与此同时，欧洲流亡艺术家在美国掀起了几何抽象的新浪潮 。1960年代 ，硬边绘画（Hard Edge）艺术家弗兰克·斯特拉（Frank Stella） 、艾尔斯沃斯·凯利（Ellsworth Kelly）和卡门·埃雷拉（Carmen Herrera）以精准的几何形态和强烈的色彩推动非具象艺术的发展。由布里奇特·赖利 、瓦萨雷利等人开创的欧普艺术 ，利用色彩与形状的错视效果，结合现代科技的视觉原理 ，使静态绘画产生动态感 。
展览现场
“‘康定斯基的宇宙’展现了几何抽象的革新性 ，它不仅是科学研究的反映，更是一种跨越国界的国际视觉语言 。 ”巴贝里尼博物馆馆长奥特鲁德·韦斯特海德（Ortrud Westheider）说。
注：展览借展自多家国际重要美术馆 ，包括伦敦考陶德美术馆、瑞士巴塞尔贝耶勒基金会 、丹麦路易斯安那现代艺术博物馆 、瑞士甘杜尔艺术基金会 ，以及惠特尼美国艺术博物馆、纽约古根海姆美术馆 、华盛顿国家美术馆等 。展览将持续至2025年5月18日，本文编译自巴贝里尼美术馆网站等 。
